Понятие «актуальный художник» существовало и прежде — просто раньше говорили «модный художник». Но такого понятия, как актуальное искусство, до XX века не было. Художники апеллировали к вечности: считалось, что их труд способны оценить лишь будущие поколения.
Актуальное искусство, принципиально ориентированное на современников, на их ценности и проблемы, изменило отношение художника к времени. Он больше не полагается на «суд потомков». На смену «бедному, непонятому, но талантливому» пришел художник, получающий признание еще при жизни. Как следствие, немаловажную роль стал играть коммерческий успех его работ: талант стал измеряться, помимо прочего, и в ценовых показателях. Одновременно арт-рынок стал неотъемлемой компонентой как сферы искусства, так и экономики.
Современное искусство в определенном смысле является инвестиционным инструментом. Бизнес на искусстве очень похож на операции с ценными бумагами: художник — эмитент, выставка — эмиссия, произведение искусства — пакет акций. Речь идет не о механической операции «купил-продал», это сложное инвестирование.
ИСКУССТВО И БИЗНЕС: 5 причин почему предпринимателю выгодно разбираться в изобразительном искусстве
На рынке искусства есть свои «голубые фишки» — всемирно известные художники, вкладывать деньги в которых абсолютно безопасно, есть «темные лошадки», на которых можно крупно выиграть или крупно проиграть. Иногда вложения в современное искусство оказываются фантастически выгодными: из десятка тысяч художников в историю искусства попадут немногие, и если угадать кто, то выигрыш может быть тысячекратным. Но такая удача — редкий случай. В среднем прибыль не больше, но и не меньше банковских процентов.
В России актуальное искусство появилось в конце 1980-х, однако в нашей стране оно, хотя и ориентировалось на западный рынок, никогда не было отстроено как сектор экономики, не имело инфраструктуры. Наш художественный рынок не достиг среднего европейского и, тем более, американского уровня развития (кстати, 70% мирового рынка произведений искусства сосредоточено в Нью-Йорке). И поэтому у нас он является объектом спекуляций: то превозносится его якобы фантастическая ликвидность, то, наоборот, раздаются высказывания о бесперспективности построения арт-рынка в России. Истина, как обычно, находится посередине.
С одной стороны, рынок современного искусства в России лишен истории (с 1930-х годов мы были исключены из мирового контекста развития искусства) и раним. Как и всякий рынок продукции не первой необходимости, он зависит от общего состояния экономики страны; в периоды потрясений художественный рынок страдает первым.
С другой стороны, перспективы рынка актуального искусства в России теоретически можно считать головокружительными. На Западе традиция коллекционирования никогда не прерывалась и произведения современных художников должны выдержать жесткий отбор, чтобы оказаться в одной коллекции со старыми мастерами. В России же класс коллекционеров родился недавно, и — теоретически — пространство для произведений современного искусства в частных коллекциях свободно. Тем более что при покупке работы современного художника снимаются сомнения в подлинности произведения, тогда как при приобретении работ старых мастеров шанс приобрести подделку весьма велик.
Миллионы за говно. Научный взгляд на современное искусство.
Существование арт-рынка напрямую зависит от существования среднего класса. Сначала средний класс вкладывает деньги в недвижимость, машины, ценные бумаги. И только после этого он начинает приобретать искусство. Но если, покупая, например, машину, мы отдаем себе отчет, что у нее есть себестоимость и есть цена, которая определенным образом соотносится с себестоимостью, то с искусством все гораздо сложнее. Цена на искусство не вырастает из себестоимости, и ценовая политика — одна из главных трудностей, с которыми сталкиваются участники арт-рынка в России.
Другая сложность: в силу того что мы были изолированы от мирового современного искусства, покупатель предпочитает искусство старое. Если проверено временем — значит, искусство. Это вызывает перекос в ценах. К примеру, голландцы, которые в Европе не очень ценятся, потому что на рынке их много, здесь стоят гораздо дороже. Нужно объяснять, что лучше купить перспективного современного художника, чем хорошо знакомое старье.
Важно, чтобы покупатель не остался просто покупателем, а стал коллекционером. Сейчас эта категория потребителей начала проявлять себя на художественном рынке, тогда как еще несколько лет назад в России работы покупали в основном для украшения стен. В некоторых организациях доходит до абсурда: покупкой произведений искусства занимаются те же, кто отвечает за чистоту и порядок в офисах. У них задача: купить красивые цветочки и им под стать — красивые картинки. Однажды одна высокопоставленная сотрудница Сбербанка сказала мне: «Нам нужны такие картины, с которых можно стирать пыль мокрой тряпкой».
Для непрофессионала единственный способ ориентироваться в современном искусстве — знать имена тех художников, которые войдут или, по крайней мере, имеют реальный шанс войти в историю искусств. А пока значительные финансовые ресурсы распыляются на тысячи творческих единиц, именующих себя художниками. И это при том, что ценность, как уже сказано, имеет творчество сорока-пятидесяти из них: столько имен настоящих мастеров оставляет в истории искусств каждая эпоха.
Что (или кого) покупают
Сегодня в России художниками себя считают около пятидесяти тысяч человек. Только на аренду залов в Центральном доме художника ежедневно тратится 3 тыс. долларов; в самом лучшем случае только 3% этих денег расходуются на тех самых 50 художников, творчество которых потенциально ценно для истории. Система галерей и музеев актуального искусства отбирает человек сто пятьдесят, а потом треть из них отбирает время.
Первый контекст — история искусства. Художнику следует помнить, что до него уже были созданы миллионы произведений искусства, и должны быть какие-то основания для того, чтобы к этим миллионам прибавилось еще одно творение. Он должен стремиться стать частью сегодняшнего всемирного контекста. Сегодня арт-мир задает систему координат, в которой художник ищет свое место.
Второе — он должен быть в контексте здесь и сейчас. Современная художественная среда — это мощный коммуникативный процесс, и чтобы участвовать в нем, надо владеть современными языками. Для меня также важно, чтобы работа была актуальной, чётко фиксировала время, когда она создана.
И третье — мастер не должен повторяться: ему необходимо удерживать рамку собственного творчества, т. е., с одной стороны, быть узнаваемым, а с другой — развиваться, выстраивать свое творчество как некую стратегию. Само собой разумеется, все это не отменяет талант, а также желание и умение много работать.
Молодость же приобретает особое значение: сейчас художественная карьера делается сложно, и у художника есть шанс пройти весь путь, только если он молод. Еще одно важное условие успеха — близость художника к культурным центрам. Иначе говоря, он должен жить в крупном городе.
Современное искусство ориентировано, прежде всего, на жителей мегаполиса, на определенную культурную среду, существующую внутри мегаполисов. Хотя сейчас есть цифровые технологии, Интернет, которые могут не только служить средством выражения художника, но и использоваться как средство доставки его творений как можно более широкой аудитории.
В какой-то мере благодаря Интернету искусство становится более доступным. Интернет — это способ разомкнуть провинциальность, сделать так, чтобы в самых глухих местах художник был в курсе всего, что происходит. Интернет сильно влияет на художника еще и потому, что дает иной способ мышления. Вообще, новые технологии всегда способствовали развитию искусства, так что Интернет указывает направление для искусства будущего.
Произведение искусства — товар особый, маркетинг и реклама которого невозможны вне художественной среды, способствующей продвижению на рынке не столько произведения, сколько его автора. По мере того как в данной контекстуальной среде растет значимость автора, увеличивается и рыночная стоимость его работ, в том числе ранних, созданных до возникновения арт-рынка.
Однако процесс осложняется тем, что у нас практически отсутствуют рейтинги художников. А поскольку в отечественной маркетинговой среде нет выраженной иерархии художников, то и на Западе нет ясного понимания, что такое российское актуальное искусство. До недавнего времени отношения с зарубежными арт-дилерами строились по принципу поставки необработанного сырья. Так, если цены на работы ведущих американских и немецких художников стартуют с 70 тыс. долларов, то для равных им по статусу русских художников ценовые рамки — от 3 до 7 тыс. долларов.
Музеи, галереи, фонды выступают как посредники между произведением искусства и покупателем. Они выполняют экспертную функцию (отбирают художников, выстраивая иерархию), а также и забирают произведения с рынка в свою коллекцию, т. е. играют роль «утилизатора». О последней — подробнее.
Для шедевров современного искусства жизненно важен механизм утилизации. Рынок всегда заинтересован в том, чтобы увеличить объем продаж, но художественный рынок отличается от любого другого тем, что утилизация предлагаемого этим рынком товара не происходит никогда.
Торгуя пиджаками, мы знаем, сколько нужно пиджаков, чтобы насытить рынок, через сколько лет они придут в негодность и понадобятся новые, т. е. мы можем заранее рассчитать объем продаж. Более того, мы можем искусственно провоцировать спрос. Скажем, хороший пиджак можно носить лет десять, что совершенно невыгодно производителю.
В этом случае на помощь приходит механизм моды, и покупатель вынужден выбросить еще хорошую, но немодную вещь, чтобы освободить место для обновки. Механизм моды в изобразительном искусстве мог бы быть эффективен, как он эффективен в музыке, потому что понятия «актуальность» и «мода», как мы уже говорили, имеют много общего.
Но существенное отличие художественного рынка от товарного заключается в том, что старое и вроде бы «немодное» произведение искусства не исчезает, не выбрасывается, а, наоборот, становится все более ценным. В итоге на рынке искусства наряду с «модными пиджаками» продаются и старые, обросшие легендами. Ведь любая частная коллекция может быть распродана, например, сменив хозяина в результате наследования. В этом случае однажды проданные произведения искусства снова попадают на рынок. И вот здесь музеи играют очень важную роль — в силу того что музейные коллекции, как правило, не распродаются, музеи становятся своего рода «утилизаторами», раз и навсегда изымая из обращения старые работы.
В результате товар перемещается с одного рынка на другой: с художественного рынка на рынок обслуживания свободного времени. Музей посещают туристы — иногда люди специально приезжают в тот или иной город только для того, чтобы посетить известный музей. Таким образом, произведения искусства, осевшие в музейной коллекции, неожиданно начинают приносить доход, но уже не в качестве объекта перепродажи и не только владельцу. Ведь туристы, помимо покупки билета в музей, оплачивают поездку, счета в отелях и прочие услуги традиционного туристического бизнеса.
У нас все еще нет музея современного искусства. Музей Зураба Церетели (а именно он носит название «Московский музей современного искусства») нельзя считать музеем в полном смысле этого слова: музейная коллекция по определению должна быть выше субъективных вкусов и предпочтений одного человека. Однако есть две музейные площадки, собирающие музейные коллекции современного искусства. Это отделы новейших течений в Третьяковской галерее и Русском музее.
Перейдем к другой посреднической институции, галерее. Галереи, вообще говоря, — очень недавнее изобретение. Как полноценное явление они появились после Первой мировой войны, и только потому, что мы поздно включились в эту деятельность, родилось ощущение, что они были и будут всегда. Возможно, что лет через 15–20 галереи модифицируются или вообще перестанут существовать и между социумом и художником появятся новые посредники. Но пока еще феномен галереи актуален.
Галерист выступает посредником между творческим человеком и бизнесом, он адаптирует художника к реальной жизни и реальную жизнь к искусству, при этом решая непростую задачу: заработать деньги для себя и для художника. Но галерист в России — это особая работа. Если у моих коллег в Европе и Америке главная задача — убедить клиента в том, что художники, которых они выставляют, лучше, чем художники, которых выставляют другие, то в России галерист должен объяснять клиенту, что такое искусство вообще, зачем его собирать и почему современное искусство так непохоже на то, что он видел в детстве в учебнике.
Наконец, у нас в стране современное искусство — чуть ли не единственная сфера жизни, запрограммированная на поиски нового. Россия — страна, которая всегда хочет в прошлое. Когда спрашиваешь: какое будущее вы хотите, то большинство называет один из вариантов прошлого. Демократы опять хотят перестройку, коммунисты — вернуться на 30 лет назад, монархисты — на 100 лет.
Но все смотрят назад. В стране, которая хочет в прошлое, особенно важна социальная роль галереи — сохранять аудиторию, готовую идти в будущее.
Уровень галереи определяют худшие выставки, а не лучшие. Основная проблема наших галерей — слишком большой диапазон авторов: в одной и той же галерее сосуществуют очень плохие и очень хорошие художники. Так невозможно сформировать репутацию. Необходимо помнить, что причиной подъема галерей в послевоенное время было доверие инвестора к галерее как гаранту качества.
Если потенциальному покупателю понравилась картина, да к тому же она выставлена в определенной галерее, следовательно, она хорошего качества и ее покупают. А когда в одной и той же галерее выставлены работы разного качества, никакой гарантии нет. Значит, нет ни интереса, ни доверия. Человеку, вкладывающему деньги в искусство, важно иметь гарантию — не в том смысле, что он собирается перепродавать свою покупку, а в том смысле, что ему будет не стыдно за нее через десять или двадцать лет. Поэтому галеристу надо быть экспертом — экспертная функция галереи очень важна.
У профессионала (галериста или представителя музея) нет вкуса в общепринятом смысле. У него есть пристрастия. Есть видение. Ищешь людей одаренных и желающих «играть» с сложившейся художественной ситуацией.
Несмотря на то что сейчас мировой художественный рынок представляет собой сильную и сложную структуру, не стоит его абсолютизировать. Рынок искусства — это огромная пирамида, заложенная много веков тому назад, и в основе её— культурный фетишизм. Но в последние годы это сооружение стало во всем мире стремительно разрушаться.
До недавнего времени арт-рынок держался на убеждении, что оригинал стоит дорого, а копия не стоит ничего. И это понятно: в те времена, когда рынок произведений искусства формировался, копии действительно были плохими. А сейчас? Если от Пушкина остались рукописи, подлинники, то у Пелевина или Сорокина рукописей нет, все на компьютере.
Их читатели все равно никогда не придут на аукцион покупать рукописи — они иначе устроены, им главное прочесть, а не иметь. Мир культурного фетишизма, где оригиналы стоят денег, остается в прошлом. Исчезает понятие подлинника или копии, делаются принципиально тиражируемые вещи. Ценится имидж, а не тело. А вся старая культура построена на том, что самое главное — тело, оригинал.
Недаром сейчас очень популярна фотография и компьютерные принты, которые стоят недорого. Рынок видоизменяется именно за счёт того, что дигитальная эра отменяет разницу между копией и оригиналом. Новому поколению трудно объяснить, почему надо платить за подлинник большие деньги, ведь гораздо легче и дешевле купить тиражную вещь.
Дело даже не в том, что художники стали работать в цифровом формате, а в том, что потребитель переключился на дигитальность. А здесь оппозиция «копия — оригинал» несущественна: важно, чтобы искажений не было. Новый потребитель совершенно неактивен как покупатель. Поэтому я думаю, что арт-рынок останется, но его роль будет незначительной.
Что касается меня, то я себя считаю фигурой переходной. Коллекция относится еще к предыдущей эпохе, галерея имеет дело с оригиналами, но чтобы не остаться в прошлом, я забочусь и о других направлениях и проектах.
- Главная
- Контакты
- Художники, картины которых есть на сайте
- Как купить картину на этом сайте
- Статьи и публицистика
- Архивные фотографии художников
- Online
- Карта сайта
Источник: sovjiv.ru
Бизнес в искусстве и искусство как бизнес
«Искусство — это неприкосновенная вещь, творчество, полет мысли, где нет места низким материальным вопросам денег». Как часто вы слышали такое от людей из арт-сферы. А может, вы и сами еще так думаете?
Отвечая на вопрос, должен ли художник быть голодным, все художники в один голос говорят: «НЕТ!». Художник должен иметь ресурсы, чтобы спокойно погружаться в те самые размышнения и рефлексию.
Так как же совмещать бизнес и искусство? Возможно ли к искусству подойти как бизнесу? И воспринимать бизнес, как искусство?
Именно на эти вопросы Марина Альвитр ответит во вторник, 18 апреля в 19:00 (по Мск), на бесплатном вебинаре «Бизнес в искусстве и искусство, как бизнес».
«Чем глубже я изучаю бизнес-процессы, тем больше понимаю, что искусство — это бизнес. Мы делаем все ровно то же самое, но называем другими словами. Как только мы убираем заблуждение о том, что деньги убивают истинное искусство, и готовы смотреть на процессы под другим углом — нам открывается новый прекрасный мир».
Кому нужен этот вебинар?
Каждому, кто работает в арт-сфере.
Если вы только начинаете свой путь, вебинар поможет вам трезво оценить ситуацию и на начальном этапе сформировать подход к ведению дел.
Если вы уже давно работаете, но больше денег вкладываете, чем получаете. Вебинар поможет посмотреть с другой стороны на свой подход и пересмотреть стратегии работы.
Для тех, у кого все и так хорошо — вы точно знаете, что не лишним будет услышать новую точку зрения, так как именно в эти моменты появляются новые идеи.
Источник: artocratia.ru
Как начать разбираться в современном искусстве (и заработать на нем)?
Отвечает Ирина Никольская — основательница NIKOLSKAYA GALLERY, посвященной русскому искусству 20-21 веков.
Редакция сайта
Какое образование нужно получить, чтобы работать управленцем в сфере культуры и искусства?
0 РЕКЛАМА – ПРОДОЛЖЕНИЕ НИЖЕ
У меня несколько образований: экономист и маркетолог. Впоследствии получила специализацию «Арт-менеджмент и галерейных бизнес» в RMA school и Московской Школе Управления Сколково. И, конечно же, искренняя любовь и увлеченность искусством и ориентированность на результат в такой необычной для бизнеса отрасли — необходимый ингредиент мотивации.
Опыт, полученный в крупных международных компаниях, и наличие собственного бизнеса позволили мне организовать несколько успешных проектов в арт-индустрии. Можно пойти дальше. К примеру, получить искусствоведческое образование в МГУ либо при Строгановке, Глазуновке.
У меня путь накопления информации ещё не пройдён, и, как правило, это непрекращающаяся история, ты должен постоянно изучать и открывать для себя новые пласты. Образование для меня в каждом дне. Остановится невозможно столько всего.
РЕКЛАМА – ПРОДОЛЖЕНИЕ НИЖЕ
Как развить вкус и начать разбираться в современном искусстве? Полезно тренировать глаз — развивать насмотренность, чем больше — тем лучше. Останавливаться нельзя. Чем большее количество музеев, галерей, выставочных проектов, произведений вы увидите, тем лучше. Многообразие форм искусства и появление относительности позволит сформировать личные предпочтения и вкус.
Также очень важно получение знаний: лекций по истории искусству разных периодов (древней Греции и Рима, Европы, Индии и т. д.). В детстве такие лекции слушаются как сказки, как путешествие в далекие миры. Это невероятно увлекательное путешествие в мир истории и культуры. Возможно для меня так было.
А сейчас возможность черпать информацию и расширять эрудированность можно как в арт-кластерах: «Гараж», «Винзавод» и прочие — так и на онлайн-курсах. Обязательны к изучению и посещению арт-ярмарки: Art Basel в Базеле, в Майями, в Гонконге, Frieze в Лондоне, Arco Madrid, Венецианское биеннале, Cosmoscow в Москве. Это позволит в кратчайшие сроки погрузиться в мир современного искусства, почувствовать фактуру и в конечном счёте начать разбираться.
0 РЕКЛАМА – ПРОДОЛЖЕНИЕ НИЖЕ
0 РЕКЛАМА – ПРОДОЛЖЕНИЕ НИЖЕ
На какие мировые современные галереи и галеристов вы ориентировались, начиная свое дело? Перед тем как открыть галерею, я проводила исследование и мониторинг ар-рынка, в частности галерей. И, конечно же, все образы респектабельных галерей Нью Йорка, Амстердама, Майями, Парижа, Лондона Мадрида, Москвы сидели крепко в голове, и хотелось почерпнуть самое лучшее. Такие крупные Галереи, как Marlboro, Гагасян, MAMM, Гари Татинцяна и другие.
0 РЕКЛАМА – ПРОДОЛЖЕНИЕ НИЖЕ
Какие трудности оказались самыми тяжелыми (финансовые, проблема нехватки опыта или авторитета, трудно найти ответственных партнеров ли подрядчиков, и т.д.)? В начале казалось сложным все, но, к счастью, недолго. Терпение, труд и увлечённость стали хорошими помощниками. Единственной проблемой была ограниченность суток — всего лишь 24 часа.
Времени не хватало катастрофически и, как следствие, энергии. Ведь помимо проектов, которые запускать один за другим, есть и семья, и мой сын. И все это приходилось активно совмещать. Ограниченность бюджета и его оптимизация также накладывают отпечаток на процесс и включают креатив с неслыханной мощностью.
Ты обязан брать обязанности и ответственность по многим позициям на себя, налаживать связи с подрядчиками, клиентами, заказчиками, дизайнерами и т.д. В кратчайшие сроки удалось собрать крепкую команду единомышленников: партнеров по проекту, искусствоведов, смотрителей залов, профессиональных развесчиков, бухгалтера, Smm-менеджера, контент-менеджера, галеристов и, конечно же, большое количество русских и зарубежных авторов. Благодаря прозрачным и понятным условия нам удалось в кратчайшие сроки заработать репутацию, которой мы очень дорожим. Наше имя и желание следовать миссии приносит свои плоды — у нас огромный пул авторов, произведений искусства, выставочных проектов и, конечно же, репутация.
0 РЕКЛАМА – ПРОДОЛЖЕНИЕ НИЖЕ
0 РЕКЛАМА – ПРОДОЛЖЕНИЕ НИЖЕ
Какого искусства сейчас не хватает в российских мегаполисах и в какой сфере можно достичь успеха? Согласно последним данным, в России искусство как отрасль — зарождающаяся. У нас очень малое количество галерей по сравнению с другими городами мира. Нам есть куда расти.
Русское искусство уже вышло на мировой арт-рынок и представляет собою только очень малую часть того огромного художественного богатства, которым мы в действительности располагаем. Только первоначальная цена накопленных на территории России и не введенных в экономический оборот ценностей искусства составляет, по минимальной оценке экспертов, около $30 миллиардов.
Количество до сих пор не «открытых» блестящих авторов и произведений, относящихся к началу и середине XX века, в России сегодня больше, чем где-либо еще, и это искусство одной только первой половины прошлого века. И главная причина отсутствия всего этого богатства на мировом арт-рынке заключается только в том, что сегодняшняя Россия, имеющая великую культуру и огромное количество произведений искусства на своей территории, является единственной в мире крупной державой, оценка и переоценка художественных ценностей которой происходит за ее границами и без ее участия. Другими словами, все дело в том, что у нас нет собственного сколько-нибудь развитого национального арт-рынка. А без такого рынка ни одна страна не может рассчитывать на серьезное участие в мировом обороте произведений искусства. Поэтому и выход из кризисной ситуации, в которой находится сегодня наше изобразительное искусство, может быть только один — в создании в России цивилизованного национального арт-рынка.
0 РЕКЛАМА – ПРОДОЛЖЕНИЕ НИЖЕ
0 РЕКЛАМА – ПРОДОЛЖЕНИЕ НИЖЕ
Искусство в России, и тем более в мегаполисах, представлено в незначительном объёме. В дополнение я бы сказала, что в текущих экономических условиях Public art и проект Pop Up Museum показал, что искусство возможно интегрировать в общественное пространство очень даже гармонично и с пользой для разных участников: зрителя, автора, самой площадки.
Мне кажется, нам не хватает современного и молодого искусства, интегрированного в общественные пространства и нашу повседневную жизнь. Я не привязываюсь к стилям. Искусство разное и несет в себе огромное количество посланий и смыслов. У нас огромное количество талантливых авторов, которым необходима помощь и поддержка.
И, мне кажется, было бы замечательным продвигать историю с Public Art в мегаполисы России. Нам действительно есть чем гордиться. И вместо классических памятников, отражающих былые эпохи, почему бы не впустить свежий и креативный воздух современного искусства, тем самым давая импульс к развитию и поддержке молодых талантов. Узнать больше о Nikolskaya Gallery можно по ссылке
Источник: www.thevoicemag.ru