«Нет более пестрой среды, чем искусство. Здесь можно встретить совершенно разных людей, совершенно разные масштабы и совершенно разные бюджеты. Поэтому каждому начинающему арт-менеджеру необходимо понимать, где он находится, и какие правила игры существуют», – начал свою лекцию известный арт-дилер, один из основателей ЦСИ ВИНЗАВОД, куратор факультета «Арт-менеджмент и галерейный бизнес» RMA Николай Палажченко. Он рассказал слушателям программы о типах деятельности в арт-среде, коммерческой и некоммерческой составляющих арт-бизнеса, и качествах, которыми должен обладать арт-менеджер. Предлагаем Вашему вниманию видеозапись лекции, а также небольшой глоссарий, составленный по ее итогам.
Типы деятельности в арт-среде
Каждому, кто только-только начинает свою карьеру в той или иной индустрии, важно понимать, как распределены роли между игроками рынка. По мнению Николая, в арт-бизнесе существую следующие типы деятельности:
Как устроен арт-бизнес| Вся правда о рынке искусства
- Галерист, которого отличают два признака: наличие галереи и умение продавать искусство. По сути, галерист выступает послом искусства в социуме и медиумом между художником и коллекционером.
- Музейщик занимается очень специальной деятельностью, требующей готовности работать с массовой публикой, так как музеи – это структурная основа и то место, через которое люди попадают в мир искусства. Основная функция музейщика – решать, что должно показываться в музее, а что нет.
- Куратор – самая важная фигура с точки зрения организации художественного процесса. Куратор отвечает за создание качественного выставочного продукта, а в рамках своей деятельности постоянно взаимодействует с музеями, галереями и другими арт-институциями.
- Художник, с точки зрения арт-менеджмента, играет очень важную роль, так как создает вокруг себя определенную среду. Кроме того, в России художник часто имеет непосредственное отношение к менеджменту – выполняет функции куратора, пиарщика, промоутера и т.д.
- Искусствовед – единственная профессия в арт-бизнесе, которой учат в университетах. Главная цель искусствоведа – отличать хорошее искусство от плохого, а в современном искусстве – отличить искусство от неискусства.
- Коллекционер – цементирующая ниша арт-бизнеса, которая всегда про деньги и про обладание.
- Дилер – галерист без галереи, цель которого продавать искусство. Чаще всего дилеры работают за проценты.
- Продюсер – создает новые форматы и новые проекты. Это одна из самых рискованных профессий, так как очень сложно делать новые проекты не подверженные критике.
- Критик – человек, чья профессиональная реакция на проект или выставку определяет ее дальнейшее восприятие зрителями.
- Блогер – создает информационное поле и выступает инструментом продвижения арт-проектов.
- Пиарщик – человек, создающий репутацию, которая очень важна в арт-среде. Занимается тем, что делает проект популярным и узнаваемым, взаимодействует с критиками и блогерами.
- Администратор – человек, который организует жизненно важные процессы при культурных и художественных проектах, так как любая институция требует грамотного управления. Таких людей мало, и они всегда нужны. С другой стороны, сами администраторы со временем втягиваются в арт-бизнес, что впоследствии может позволить им начать заниматься другой деятельностью в рамках индустрии.
- Функционер – чиновник, работающий в сфере культурных проектов.
- Обеспечивающие бизнесы – застройка выставочных площадок, логистика и прочая деятельность обеспечивающая искусство.
Типы организаций в арт-бизнесе
В чистом виде существует два типа организаций в арт-бизнесе: коммерческие и некоммерческие.
К коммерческому типу относятся: галереи, дилеры и агенты (представляют интересы либо художников, либо коллекционеров), аукционные дома (определяют планку цен на искусство), ярмарки.
К некоммерческому типу относятся: музеи, фонды, выставочные площадки, институции.
Художественное сообщество – это определенная среда, группа людей и институций, взаимодействующая между собой и являющаяся главным двигателем современного искусства. Часто значимость высказывания художественного сообщества на выставку или проект важнее, чем реакция широкой аудитории, что говорит о его закрытости.
Искусство живет окружением и конкурирует за статус, аудиторию, деньги и пр. с самыми неожиданными сферами, такими как кинематограф, спорт, интернет, политика, мода, литература и многое другое. Поэтому, тем, кто работает в искусстве, необходимо думать не только о медийности арт-проекта, но и о том, в каком контексте он создается, а также уметь использовать знания о том, на что еще люди тратят свой досуг.
Базовые качества, которыми должен обладать арт-менеджер:
- Понимание искусства: если человек хочет делать что-то в искусстве, ему нужны глубокие знания в этой области. Так как, планируя бизнес, необходимо иметь хотя бы приблизительные представления о том, что будет завтра с искусством, в каких направлениях оно будет развиваться и т.д.
- Организованность и универсальность: способность делать все правильно и вовремя, а также быстро понимать, как устроены различные процессы в искусстве.
- Умение работать с информацией: распространять информацию вокруг себе и пользоваться той, которая вращается в арт-сообществе, а также постоянно искать новые каналы коммуникации.
- Хорошая реакция и готовность к изменениям: арт-менеджмент – быстро меняющаяся и растущая среда, в которой средний срок изменение реальности составляет полгода. Поэтому важно уметь быстро приспосабливаться.
- Общая культура: нельзя делать качественные проекты в арте, не понимая общих тенденций в театре, литературе, социальной и политической, экономической жизни и др.
- Проектное мышление: в искусстве никогда не бывает бесконечного континуума, любая выставка или клиент – это всегда проекты, а любой проект имеет свой цикл.
Что такое арт-менеджмент?
Что общего у бизнеса и искусства
Энди Уорхол, умевший извлекать максимальную пользу из своих творческих идей, говаривал: «Бизнес – лучшее искусство». Собственно, это он нам и завещал. Арт-менеджмент – это как раз история о том, когда реклама становится экспериментом и способствует продвижению бизнеса с помощью искусства. В наше время тотального поглощения это актуально как никогда (но Энди все равно был одним из первых продажных гениальных в бизнесе перцев).
Почему именно искусство? Зачем, к примеру, таким технологическим гигантам, как Samsung и Apple, сотрудничество с художниками, неужели другие пути продвижения работают хуже? Ответ на этот вопрос кроется в самом назначении искусства. Искусство – это в первую очередь эмоциональный контакт со слушателем/зрителем/читателем, это попытка вызвать у них душевный отклик.
Сегодня есть множество форматов для арт-менеджмента.
У рекламы схожие цели (правда, выраженные в более материальной форме) – необходимо зацепить человека, поймать его на крючок, вызвать определенные эмоции и желание стать частью привилегированной группы. Бизнесменов привлекает и то, что у искусства гораздо больше фанатов, чем у конкретного бренда. Так что, затевая инициативу в арт-сфере, можно выйти на широкую аудиторию.
Арт-коллаборации в моде
Если вам кажется, пора креститься что арт-коллаборации – это удел только крупных международных брендов, то пора перестать так думать. Да, было время, когда подобные инициативы требовали больших инвестиций. Но сегодня, к счастью, существуют новые форматы коллабораций, которые доступны даже малым компаниям и стартапам. К примеру, вы всегда можете привлечь к сотрудничеству молодых, нераскрученных художников, которые не потребуют за свою работу больших денег или вообще раскрутить их на бартер.
Полина Гольденберг, креативный директор проекта Art of You
«Арт-менеджмент – это лучший инструмент для поддержания эмоционального контакта с широкой аудиторией. Современному потребителю недостаточно получить просто хороший продукт или услугу. Людям нужны эмоции, впечатления. Им нравится чувствовать себя частью чего-то высокого, элитарного. Именно поэтому коллаборации с художниками – это отличный способ продвижения бизнеса и поиска новых клиентов».
Самыми успешными бизнес-коллаборациями полон мир моды. Вероятно, это связано с тем, что мода и так стоит на пересечении искусства, и бизнеса, нельзя абсолютно точно отнести ее ни к тому, ни к другому. К примеру, дом Fendi уже жить не может без общения с современными живописцами.
В 2015 году бренд пригласил к сотрудничеству российского художника Покраса Лампаса, который стал автором самой большой каллиграфии в мире (более 1600 квадратных метров на крыше завода «Красный октябрь»). А в Италии, на крыше Дворца итальянской цивилизации в Риме (там находится офис Fendi) художник создал огромное граффити в поддержу проекта F… for Fendi. В настоящий момент видео, где Покрас Лампас воплощает свое стрит-арт видение логотипа итальянского модного дома, просмотрели 1 678 000 раз на Youtube, хотя опубликовано оно было в июне этого года. С помощью этого необычного опыта Fendi привнесли что-то свое в молодежную культуру, поговорили с аудиторией на одном языке – языке искусства и эмоций.
Как замутить свою арт-коллаборацию
Давайте начистоту. Если сфера искусства вам не особо близка, не стоит в нее соваться. Любая PR-кампания должна вписываться в общее позиционирование бренда, быть органичной. Иначе все будет фальшью, не сомневайтесь: ваша публика сразу почует неладное.
Определитесь с бюджетом. Выбор формы сотрудничества в том числе зависит и от стартового капитала. Лимитированная линейка продукции с необычным дизайном или живой перфоманс с указанием бренда – считайте решайте сами.
Граффити Покраса Лампаса в Риме.
Найдите художника. Опять же все зависит от бюджета. Нераскрученные творцы вполне могут посотрудничать с вами за пиар. Художник покруче сделает это за гонорар. А возможно, в конечном счете дешевле будет нанять арт-эксперта, который поможет правильно подобрать исполнителя и грамотно выстроить кампанию в целом.
Ставьте определенные цели. Эффективные коллаборации, которые имеют смысл и с точки зрения искусства, и с точки зрения бизнеса – непростое дело. Поэтому такие проекты не должны быть единоразовыми, они должны вписываться во всю стратегию продвижения и повторяться, при этом задействуя каждый раз все более современные форматы. Только так это окажет существенное влияние на рост продаж и имидж бренда.
Как продвинуть свое искусство: советы арт-менеджера
В студии Art of You на Патриарших прудах, в отличие от множества подобных проектов, учат не просто рисовать, но и продвигать свое искусство. Помимо курсов арт-терапии, рисунка маслом или скетчинга здесь проводят индивидуальные занятия с арт-менеджером. Чтобы разобраться, зачем вообще молодому художнику нужен этот специалист и стоит ли услуга финансовых вложений, мы пообщались с главой департамента арт-менеджмента Art of You Светланой Филаретовой.
— Что такое арт-менеджмент?
— Управление проектом в сфере искусства — сюда входит продажа картин, создание и продвижение творческих коллабораций, организация локальных и международных выставок. До того как вы продадите первую работу, придется проделать огромный путь: поработать над именем, позиционированием, оформить и «упаковать» в понятный для зрителя формат.
Важно подготовить аудиторию: получить одобрение экспертов и лидеров мнений из мира искусства. Арт-менеджер — посредник между художником и целевой аудиторией, который способен эффективно организовать все бизнес-процессы.
Важно понимать, что арт-менеджмент — это не только про выставки и художников, это могут быть и проекты из сферы моды или дизайна, междисциплинарные слияния и открытие новых направлений работы.
Тот же арт-менеджер отвечает за планирование и распределение финансов, поиск партнеров и спонсоров и вообще успех всего предприятия: начиная от логистики и заканчивая получением обратной связи от гостей и заключением контрактов с клиентами.
Пит Мондриан, без названия; Нью-Йорк I
— Какими качествами должен обладать арт-менеджер?
— Это прежде всего коммуникабельность и организованность. На сегодняшний день единственный работающий канал продаж и продвижения — это умение выстраивать коммуникации, договариваться, знакомиться, просто быть приятным и интересным собеседником, с которым хочется общаться и узнавать про новые проекты.
Организованность — это про сроки: все меняется очень быстро, если не успеть сделать и реализовать идею сегодня, завтра за нее возьмется кто-нибудь другой. Особенно печально, если у вас была хорошая задумка, но вашей команде не хватило сил и времени сделать ее масштабной — потом более крупные игроки могут взять ее себе, масштабировать, и о том, что изначально она была вашей, не узнает никто.
— Можно ли успешно запустить проект без огромных стартовых вложений?
— Важно понять, что мы имеем в виду: галерейный бизнес, реализацию творческих проектов или запуск новых направлений.
Галерейный бизнес и продвижение художника без капитала сейчас сложно представить, однако капитал можно привлечь и от спонсоров. Часто если галерея соглашается с вами сотрудничать, то и затраты на продвижение берет на себя. Однако проблема в том, что многие галереи работают со своими художниками и редко обновляют их ряды.
Пит Мондриан, Цветы. Солнце; Композиция № 11
Если говорить про старт нового проекта, например запуск линии одежды, то нужно посчитать основные затраты: выпуск минимальной серии и стоимость продвижения. Любой проект нужно тестировать на малых оборотах: проверить спрос, получить обратную связь клиентов, если нужно, внести изменения. Не стоит вкладывать большие деньги в продвижение, если процессы не отлажены и не получена обратная связь. Если следовать этому совету, затраты на первую коллекцию должны быть минимальными, но, если правильно наладить каналы продаж, получится не только окупиться, но и заработать средства на новый пошив в больших объемах. Я за маленькие окупаемые шаги, все крупные мероприятия и вложения стоит делать тогда, когда продукт уже приносит доход.
— Нужна ли начинающему большая команда? Что нужно отдать на откуп профессионалам, а что лучше делать самому?
— Из моей практики — успешный проект это всегда команда единомышленников, которая видит и понимает общие цели и миссию. Команда, которая не соглашается на компромиссы и хочет для своего проекта только лучшего.
Пит Мондриан, Красная мельница; Композиция С (№3)
Я считаю, что каждый должен заниматься своим делом: продавцы — продавать, бухгалтеры — делать расчеты, маркетологи — продвигать, а художники — творить. Это правило поможет сберечь нервы (да и время), ведь творить не получится, если вы постоянно в стрессе. Своим клиентам мы всегда рекомендуем выписать, что бы они хотели делать сами и в чем разбираются, а что готовы делегировать.
Посмотрим правде в глаза: художники — не бизнесмены, и нужно ли им это? Ведь есть те, кто делает это профессионально.
Все затраты и окупаемость привлеченных специалистов можно и нужно просчитать заранее. Если у вас ограниченный бюджет, начните с простых шагов, например, продвижения в социальных сетях. Сейчас даже галереи следят за новыми именами именно там. О том, как работать в социальных сетях, сейчас много доступной информации, этим можно заниматься и самостоятельно.
— Каковы самые распространенные ошибки молодых художников?
— Одна из главных ошибок — либо в уверенности, что все слишком замечательно и автор не нуждается в дополнительных знаниях, либо, наоборот, в неуверенности в своем проекте и шансах на успех. Все это от нехватки стороннего мнения специалиста. Можно много размышлять о том, насколько плох или хорош проект, но важнее узнать адекватное мнение профессионала рынка, понять перспективы и получить конструктивную критику.
Пит Мондриан, Амариллис; Композиция А
Смотреть нужно шире: есть вы и ваше творчество, но есть еще и контекст, в котором вы хотите его представить, а также общая ситуация в мире.
Бизнесмен и художник в одном лице — идеальное сочетание, но довольно редкое. Если вы скорее относите себя к творцам, то начните работать с арт-менеджером, это освободит вас от большей части организационной работы и поможет спокойно творить.
— Какие общие рекомендации можно дать начинающему художнику?
— Верьте в себя и совершенствуйтесь, прислушивайтесь к мнению тех экспертов, которым доверяете, общайтесь и учитесь выстраивать социальные связи, говорить о себе, своем творчестве и своем деле.
Бонус: 15 советов для будущего успешного художника
- Соберите команду, с которой вы мыслите в одном направлении. Проверьте, правильно ли вы понимаете, чего хотите от проекта.
- Если делать, то делать качественно и профессионально. Если обещать, то выполнять. А еще уметь договариваться.
- Сталкиваясь с трудностями, научитесь быстро мобилизовываться и принимать решения. Всегда ищите новые возможности и будьте гибкими.
- Поймите свою целевую аудиторию и научитесь говорить с ней на одном языке.
- С аудиторией нужно общаться как можно чаще, здесь помогут офлайн-мероприятия.
- Будьте настоящими. Важно понять все свои сильные и слабые стороны, а также отличия от конкурентов.
- Ваши цели должны соответствовать вашим внутренним ценностям. Делайте то, чего действительно хотите.
- Учитесь планировать и делите большой путь на маленькие шаги.
- Контролируйте сроки.
- Визуализация проекта — это ключ к его успеху. Общайтесь с исполнителями, проверяйте, понимают ли они вашу идею. Делайте все как можно легче, проще и понятней.
- Ваш дизайн должен сказать как можно больше о вас.
- Ваша позиция должна прослеживаться во всех аспектах вашей жизни. Найдите уникальный стиль и образ. Я называю это «осознанной визуализацией», когда вы творец не только внутри, но и снаружи — и стремитесь это показать.
- Любите то, что делаете. Ведь если вам пришла в голову идея что-то реализовать, значит, это кому-то нужно.
- Адекватно относитесь к критике. Нужно брать все самое полезное и двигаться вперед.
Источник: vib33.ru
Что означает арт бизнес
Авторский курс от Daria Oskin.
В прошлом сотрудник одного из старейших аукционных домов в мире Sotheby’s
Подробнее о курсе
А внутри у нас целая история! Начнём мы с эпохи Возрождения, когда консервативные взгляды Средневековья сменились на прогрессивные светские, а художники получили шанс работать не только на церковь, но и на королевский двор. Нас будет очень интересовать Флоренция, как центр образования союзов художников, Голландия, как законодатель моды на интерьерные картины и арт-дилеры, без которых не появились бы на свет основные течения XX века.
Что внутри?
А внутри у нас целая история! Начнём мы с эпохи Возрождения, когда консервативные взгляды Средневековья сменились на прогрессивные светские, а художники получили шанс работать не только на церковь, но и на королевский двор. Нас будет очень интересовать Флоренция, как центр образования союзов художников, Голландия, как законодатель моды на интерьерные картины и арт-дилеры, без которых не появились бы на свет основные течения XX века.
На второй лекции будем говорить о современном арт-рынке и его устройстве. Я расскажу, как работают мировые аукционы, зачем проводят международные ярмарки и как продвигать себя без посредников, если ты современный художник.
Третью лекцию я посвятила инвестициям в искусство. Это не так просто как кажется, потому что любая сделка с искусством — это огромная просветительская и исследовательская работа как со стороны дилера, так и со стороны клиента. Я расскажу обо всех плюсах и минусах подобных вложений, основных стратегиях и трендах 2021/22 годов и что происходит с арт-рынком, когда случается кризис.
Для тех, кто выбирает наше совместное погружение в тему, я подготовила четвёртую лекцию о фальсификации предметов искусства.
Дарья Оскин
Привет, меня зовут Дарья Оскин!
Я — искусствовед, лектор и писатель, живу и работаю во Франции. Отдала своё сердце искусству 11 лет назад, поэтому в профессии я по большой любви. Училась в Германии, Италии и Австрии.
Про устройство самой непрозрачной формы бизнеса знаю не понаслышке. Это невероятно интересная тема с огромным потенциалом для дальнейшего развития, будь вы коллекционер, художник, дизайнер или просто любитель. На курсе «Как устроен арт-бизнес?» я расскажу вам о закулисье аукционов, настоящем значении коллекций и подводных камнях при инвестициях в искусство.
Лекции подойдут вам, если вы:
Давно думаете приобрести какой-то предмет искусства в подарок себе или кому-то.
Завсегдатай музеев и выставок
Считаете, что коллекционирование — это сложно и дорого.
В поисках вдохновения
Хотите интересно и с пользой провести время
Не знаете, как отличить подделку от оригинала и к кому обратиться за помощью.
Зачем вам разбираться в вопросах арт-бизнеса?
Даже поверхностные знания в области оценки качества и ценности предметов искусства развивают насмотренность и художественный вкус. Теперь сувенирным картинам будет сложнее занять место в вашем доме.
Источник: dariaoskin.com
Правила игры: как запустить свой проект в сфере искусства
Принято считать, что арт-индустрия — достаточно закрытая сфера, в которую трудно попасть, будучи вне сообщества. Но насколько сложно запустить свой проект, связанный с искусством, и что играет решающую роль в его успехе? Ответами на эти (и не только) вопросы с нами поделилась Наталья Томашевская — художник, сооснователь кураторской лаборатории BTWN и бизнес-консультант, которая создала первую в России настольную игру про арт-бизнес «Главный экспонат».
Наталья Томашевская автор игры «Главный экспонат»,
сооснователь кураторской лаборатории BTWN, выпускница Московской школы современного искусства, предприниматель, бизнес-консультант и художник
Путь в арт-бизнес
До 2021 года я имела достаточно отдаленное отношение к арт-бизнесу — долгое время занималась логистикой, оптовой торговлей и консультированием. Как художник-автодидакт, не имеющий представления о том, как все устроено на самом деле, двигалась на ощупь. В какой-то момент я задала себе вопрос: «А что я умею делать лучше всего?». Ответ пришел сразу — придумывать что-то новое и развивать бизнес, и уже в январе 2021 года я четко решила найти свое место в арт-бизнесе.
Весь опыт работы в области промышленной логистики крупных нефтегазовых проектов я перенесла в новую для себя сферу: как предпринимателю мне были понятны все юридические, бухгалтерские и финансовые вопросы, связанные с организацией собственного бизнеса. Я начала проводить исследование арт-рынка и пыталась продвигать себя как художника — больше на интуитивном уровне по открытым источникам. Уже тогда пришло понимание, что в нашей сфере трудно найти достойные галереи, площадки или авторов: есть риск столкнуться с ресурсами, которые не дают достоверную информацию.
Медиапространство перенасыщено курсами и лекциями о том, как продвигать художников и развить свой арт-бизнес, а также историями людей, которые несколько раз продавали себя на таких площадках, как Saatchi Art и Artfinder.
Фото: Saatchi Gallery
Все это было больше похоже на какую-то схему Остапа Бендера — наверное, через это в какой-то степени тоже нужно было пройти; получить и такой опыт, чтобы точно понять, как делать не стоит.
Закрытость арт-сообщества
Наша сфера достаточно закрытая: люди попадают в нее извилистыми путями, и практически все построено на личных связях и коммуникациях. Будучи вне этого сообщества, шансов стать его частью практически нет и, соответственно, понять, по каким правилам живет рынок, тоже невозможно.
Необходим качественный нетворкинг, то есть знакомства с реальными игроками рынка. А один из способов обзавестись ими — это обучение.
Я рассматривала несколько программ — в НИУ ВШЭ, бизнес-школе RMA и Московской школе современного искусства. Везде были свои плюсы, но я поняла, что мне в первую очередь интересна мировая практика развития арт-бизнеса — я не хотела ограничиваться исключительно знаниями о внутрироссийском рынке. Несмотря на то что я была «новичком», я уже понимала, что мы все-таки еще находимся на начальном этапе: рынок не стандартизирован, отсутствует законодательная база, все происходит недостаточно слаженно и прозрачно. Поэтому мой выбор пал на Московскую школу современного искусства, программа которой предполагает изучение международного опыта от зарубежных преподавателей и практиков. Это был, пожалуй, самый правильный выбор в моей жизни.
Согласно основной цели – найти свое место в арт-бизнесе, – я решила следовать тактике «открытых дверей», то есть быть открытым для всего нового, отключить внутреннего критика и рассматривать все как возможность, параллельно структурируя получаемую информацию. Меня поразила открытость людей в отрасли по части передачи знаний — это оказалось очень ценно.
От теории к практике
В итоге теоретическая часть соединилась с моим личным опытом необычным образом — я решила создать настольную игру про арт-бизнес. Самым ценным в этой истории стала практичность кейса: в процессе работы над игрой я сразу же переносила всю теорию на практику. Например, провела полное маркетинговое исследование, изучив предыдущие подобные релизы, потребности людей и многое другое.
Первый вариант игры кардинально отличался от финального — он оказался невозможным для реализации в формате массового продукта. Позже я передала галереям на тестирование прототипы и с помощью обратной связи еще раз вносила изменения. Сейчас в продаже находится уже четвертый вариант игры.
Фото: Зоя Волкова
Изначальная идея осталась прежней — во всех случаях мне хотелось познакомить людей с современным российским искусством и показать, какое оно интересное.
После первой презентации игры я не раз слышала вопрос: «Сколько лет ты на это потратила?». Ответ — девять месяцев от идеи до финальной реализации. Были те, кто сразу же подвергал проект резкой критике; кто-то говорил, что он не уникален. Не удивительно, что кто-то и до меня об этом задумался, но аналогов моей игре среди открытых к продаже вариантов я не нашла. Вероятнее всего, эти идеи остались на уровне прототипов не для широкой аудитории.
Игра «Главный экспонат». Фото: Павел Парамонов
Реализация задумки и элементы успеха
Допустим, у вас есть идея, но одной идеи мало — ее необходимо «приземлить» на реальность, чтобы она обрела дальнейшую жизнь. Вложить в это время, силы и интеллект. Рискнуть, хотя бы на стадии прототипа, собственными средствами — заказать дизайн и производство, провести полноценное исследование.
После выпуска прототипа у меня было несколько вариантов развития событий: искать инвестора, попробовать получить грант, запустить краудфандинговую кампанию или взять кредит и сделать все самой. Разложив все эти варианты на стратегии, я применила к ним один единственный важный фильтр — время. Время всегда играет против нас, и первые три варианта выпадали в неопределенность, которая грозила срывом всего проекта. Поэтому я рискнула сделать все самой и пошла ва-банк, но это осознанный и просчитанный риск.
Я отметила для себя несколько важных моментов, которые необходимы для запуска своего проекта:
- Нужно гореть тем, что ты делаешь. Внутренний мотор должен постоянно работать.
- Нужны системность и ежедневная постановка задач. Работа по настроению, на мой взгляд, — это неправильно.
- Важно трепетно и бережно относиться к своему внутреннему состоянию.
- Нельзя забывать про непрерывное обучение, сбор и каталогизирование информации. У меня, конечно, есть большое желание сделать программу, которая помогала бы людям работать с информацией, потому что пока текущие CRM-системы не дают таких возможностей.
Пожалуй, решающее значение в сфере современного искусства имеют коммуникации и нетворкинг. При наличии конкретной задачи всегда можно найти человека, познакомиться, задать вопросы и попросить совет. Например, в феврале этого года я познакомилась с Анной Бариновой, основательницей Anna Nova Gallery.
Я была в командировке в Санкт-Петербурге, предложила ей встретиться и поразилась, какой она высокопрофессиональный и при этом открытый и искренний человек. И последнее — важно время от времени спрашивать себя, чего действительно хочется. Если есть четкое понимание, то внутренний компас будет и дальше вести к этой цели.
На обложке: игра «Главный экспонат». Фото: Павел Парамонов.
Источник: design-mate.ru
